Como compañía joven formada en la danza española, sienten la necesidad de trabajar desde la contemporaneidad, dialogando e incorporando otras formas de lenguaje que potencien el contacto y la cercanía con el espectador, siempre con un fuerte compromiso con la innovación escénica.

Belén Martí Lluch, Marina de Remedios, Ana Botía y Marta Mármol son ‘Mucha Muchacha’.

En el año 2016 comenzaron un proceso de documentación sobre las mujeres artistas de la Generación del 27, conocidas como Las Sinsombrero. Entre ellas figuran Maruja Mallo, Marga Gil, María Teresa León, Concha Méndez o Rosa Chacel. Todas ellas colaboraron en la agitación cultural y la modernización social de los años 20 y 30 en España, quedando silenciadas tras la Guerra Civil Española. Lo que comenzó como una investigación teórico-práctica, acabó siendo el punto de partida de ‘Volumen 1’, centrada en los conceptos de empoderamiento, determinación, voz, participación, libertad y cooperación.

Creada en el Centro de Danza Canal de Madrid, con la Coreografía, Guión y Dirección de Pedro Fernández Embrujo, utiliza como lenguaje escénico la danza folclórica chilena y española, complementadas con interpretación teatral, música en vivo y las letras de Violeta Parra,.

‘Lota, las Mujeres del Carbón’, nos cuenta el momento histórico del cierre de la Mina de la ciudad chilena LOTA, con una mirada centrada en la mujer como pilar de esta sociedad minera, que nos invita a la reflexión y a la emoción a través de su temática tan vigente y universal.

Su creador, Pedro Fernández Embrujo, es bailarín y coreógrafo chileno radicado en España, especializado en Flamenco y Danza Española. Fundador de Academia Embrujo, una de las academias de flamenco más importantes de América Latina, tiene su propia compañía artística Embrujo Flamenco con la que se ha presentado en los mejores escenarios de América Latina, China y Europa.

«Tú, ¿sabes ser Cuerpo? Aquí tratamos de llegar a la carne, a la entraña y para llegar tan hondo hay que desnudarse mucho. Lo inevitable es una reflexión visceral, una apertura en canal de las tripas de cada Cuerpo. ¿Qué es el género? ¿Cómo nos hemos construído en base a este concepto? El acto de «vestirnos» ¿qué lugar nos da en el mundo? Juguemos a la vulnerabilidad, a las caricias de las corbatas con faldas, a los jadeos de las barbas con tacones, al orgasmo del vestido testosterónico y la masculinidad de progesterona.»

Coproducción: Cia.Dunatacà y el Instituto Valenciano de Cultura.

Idea original y dirección: Sybila Gutiérrez.

Intérpretes y cocreadorxs: Kilian Garrós, Inma Rodriguez, Julia Cambra y Sybila Gutiérrez.

Música: Manuel Estrella Chi.

Iluminación: Jrisa Lialia.

«Es nuestra pelota lanzada al aire que alcanza el instante de suspensión; el momento en que todo puede pasar, el momento en que podemos ceder a la gravedad, o tomar decisiones distintas, el momento en que una pelota se queda flotando y con ello todos en el escenario contenemos el aliento», explica la compañía Nueveuno.

Vemos en escena a cinco hombres. Están subidos en un escenario. Cada uno distinto y todos iguales. Se cuidan, se empujan y celebran juntos. Están lanzando cuchillos contra su propia sombra, mirando para sí, moviendo los focos para iluminar espacios distintos, mostrando su intimidad, y desnudándose para escuchar. Hombres que se cuestionan constantemente, pero se regodean en su propia identidad… son, al fin y al cabo, cinco hombres.

Todo en ‘Suspensión’ es el resultado de dos años de trabajo de un gran equipo.

«Las coreografías de malabares han sido entrenadas y revisadas hasta el extremo, la música ha sido compuesta durante la creación, la escenografía evolucionada constantemente, la magia entrenada hasta la saciedad, las grabaciones de nuestros padres y hermanos y abuelas y novias rehechas hasta

destilar la esencia de la propuesta. Un trabajo con nosotros mismos y con todo lo demás», aseguran los integrantes de Nueveuno, compañía nacida en Madrid, en 2014.

Este espectáculo se presenta en colaboración entre el programa 21Distritos y el Teatro Circo Price.

Indagaremos el lenguaje y desarrollaremos el oído musical con ejemplos claros y atendiendo a criterios como el ritmo, la melodía y la armonía como fundamentos imprescindibles para la composición y análisis de canciones desde la canción de autor, la música folklórica y tradicional, hasta el rock, el jazz y el rap, entre otras.

El Centro Cultural Alfredo Kraus, en el madrileño barrio de Fuencarral-El Pardo, recibirá a la formación integrada por Nacho Taboada, Pepe Curioni y Vanja Polacek.

Alegría de vivir y temas universales al alcance de todos nosotros en un encuentro acústico, del que sacaremos vivencias, más que enseñanzas.

Lorca vivió en Nueva York desde junio de 1929 a febrero de 1930. Entonces viajó a Cuba, donde pasó tres meses, y, finalmente, regreso a España con los poemas del libro ‘Poeta en Nueva York’ en la maleta.

La excusa del viaje fue matricularse como estudiante de inglés en la Universidad de Columbia. Los motivos reales eran otros. Lorca se había convertido en un autor muy famoso en España tras la publicación del Romancero gitano, todo un éxito, y se le había atribuido un perfil casi folclórico del que él quería alejarse. Además, acababa de sufrir una ruptura dolorosa con un hombre con el que había vivido un amor intenso. En Nueva York hizo grandes amistades y recibió «la experiencia más útil de toda mi

vida». Conoció a “los negros”. Y conoció, en profundidad, el capitalismo. Fue testigo directo del “Crack del 29”. De su experiencia, nacen los poemas que forman el libro ‘Poeta en Nueva York’. A su vuelta a España, Lorca dio una conferencia-recital en la Residencia de señoritas, en Madrid. Allí presentó su poemario y contó aquel viaje físico y espiritual.

El espectáculo ‘Nueva York en un poeta’ es aquel encuentro de Lorca con el público en la Residencia de señoritas en el que por primera vez se escucharon esos poemas,“carne mía, alegría mía, sentimiento mío”.

Durante una hora, viajaremos con él, de Granada a Nueva York y a La Habana. A través del jazz y el son (interpretado en vivo por La Banda) nos sumergiremos en Wall Street – “llega el oro en ríos de todas las partes de la tierra y, con él, llega la muerte”-, Harlem –“el dolor de los negros de ser negros en un mundo contrario”-, la multitud –“uno de los espectáculos vitales más intensos que se pueden contemplar”-, el campo – “anhelante de las pobres cosas vivas más insignificantes”-, La Habana –“con sus ritmos que yo descubro típicos del gran pueblo andaluz”, la revolución –“del Africa a Nueva

York”-.

«Actividad interpretada en Lengua de Signos Española» (LSE)

* «Icono cedido por Teatro Accesible».

La música es clave en nuestra experiencia vital, afecta a nuestros sentimientos y emociones, nos hace identificarnos con otros y pervive en nuestra memoria durante años. Ella puede traer recuerdos a la consciencia que creímos haber olvidado, puede mejorar nuestro aprendizaje e incluso su poderoso efecto puede transportarnos al pasado con tan sólo unos acordes.

Bajo este enfoque proponemos un taller de dos días de duración durante una semana que pretende devolver las canciones a su justo lugar en la vida de las personas. Cada uno de nosotros tenemos una memoria musical particular. Cada uno conserva canciones de toda una generación, canciones que por alguna razón son imprescindibles para nuestra vida, incluso canciones que odiamos pero no podemos evitar tararear. Las canciones nos unen. Son la clave para una comunicación oral y una memoria compartida.

Con este taller, impartido por Tais Bielsa Rey y Gloria G. Durán, pretendemos, no solo dilucidar qué canciones tienen los usuarios de los centros culturales como patrimonio compartido, sino también cómo podríamos grabarlas y preservarlas. Quizá esta nueva grabación no respete la ortodoxia de los temas originales. Quizá incorporemos elemento nuevos, músicas nuevas. Ritmos diferentes que enlacen pasado y presente.

Jorge Luis Borges decía que la memoria es aquello que recordamos de la última vez que contamos una historia. Nosotros estamos convencidos de que la memoria es la última canción que cantamos, por eso titulamos a este proyecto «El Penúltimo Cuplé», porque siempre nos quedará el último por cantar.

La idea, al ser un prototipo replicable, es lograr en el medio plazo una suerte de memoria sonora de nuestra ciudad. Una memoria que aúne lo de ayer con lo de hoy. Un sustrato antropológico que nos una a todas las generaciones, pero sobre todo que traiga la vida cotidiana de los mayores a un puesto de honor en el devenir contemporáneo. Que lo antiguo pueda volver a ser contemporáneo.

Aforo limitado.

Inscríbete a través de este formulario:

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Formada por grandes maestros, Penélope Pasca se ha convertido ya en maestra de otros tantos.

Pasca, apuesta por la Danza Española en general y por el Flamenco en particular. Le gusta «contar cosas” a través de sus espectáculos. Por eso todos incluyen un tinte reivindicativo: la igualdad, los abusos de poder, las carencias de la gente que no tiene recursos…

En ‘Querer sin sentir’, Penélope Pasca pone de manifiesto su compromiso contra la violencia machista.

«El qué dirán, los miedos, la vergüenza, la falta de recursos y de ayudas, derivan en montones de parejas que conviven en una aparente «normalidad absurda», cohibidos por temor a renunciar a una engañosa estabilidad. Y lo peor, muchas mujeres siguen manteniendo la carga con la convicción de que es lo que les ha tocado vivir y no se permiten plantearse otra cosa siquiera», asegura Pasca.

Músicas del mundo para bailar sin complejos.

Ogún Afrobeat es un proyecto musical creado en la ciudad de Madrid por parte del baterista, percusionista y vocalista nigeriano Akindiimeji Onasanya con un doble objetivo. Por un lado, aportar un referente del género que no se limitara a rememorar el legado inmortal de Fela Kuti, tan necesario y genuino como difícil de igualar. Por otro, la multitudinaria banda en que ha terminado

por convertirse, mantiene una clara vocación de proyectarse en la escena internacional, al incorporar a su propuesta experimentados instrumentistas de múltiples procedencias (Cuba, España, Colombia, Marruecos, Italia, Senegal…) que enriquecen el resultado aportando elementos sonoros y estéticos que inevitablemente alejan a la banda de los cánones del género y amplían su propuesta desde una raíz auténticamente yoruba (fuji, juju music, sakara) hacía otras regiones y músicas del continente africano y fuera de él.

Ogún Afrobeat es una propuesta osada que no se conforma con satisfacer a los devotos de las sonoridades africanas y afroamericanas, sino que persigue un diálogo franco, diáfano y sin fronteras idiomáticas o estilísticas con otros géneros musicales afines como el funk, el jazz, la música gnawa, las sonoridades arábigas y etiopes, el nu soul o la electrónica, ampliando así las perspectivas originales del afrobeat y evitando la realización de un mero ejercicio de estilo. Un planteamiento transgresor para una banda que responde a una globalización distinta, integradora, multicultural y abierta a todas aquellas personas que sientan la música, la disfruten y bailen sin complejos, que al final es de lo que se trata.

Ogun Afrobeat ha publicado hasta el momento dos discos, The Observer (2013) y Koko Iroyin (2016) y un single Fresh me up (2018) y este 2020 publicará su tercer disco. Su música ha sonado en vivo a lo largo de toda la geografía nacional, en los principales festivales de música negra, world music y jazz de España.