El movimiento, como el agua forma parte de nosotros….Somos un 70% agua! Losdedae fluye y baila en diferentes lugares hasta llegar al público y romper las barreras que nos separan….Nos mojamos por la danza!
Losdedae, es una compañía de Danza Residente en Alcalá de Henares, que cuenta ya con más de 20 años de trayectoria. Dirigida por el bailarín y coreógrafo Chevi Muraday (Premio Nacional de Danza 2006) la compañía ha construido un lenguaje propio que investiga en la relación de la danza con otras disciplinas. Losdedae crece con la vocación de llevar la danza donde quiera que esté el público: calles, plazas, teatros, cabinas de teléfono, camiones, …Entre sus últimas producciones ‘Black Apple y los párpados sellados’ (2018), ‘Marikón esto acaba de empezar’ (2017) o ‘En el desierto’, Premio Max al Mejor Espectáculo de Danza (2016)
Este proyecto parte de una reflexión sobre nuestro tiempo y la actualidad, sobre los límites, sobre el desarrollo del espacio personal y sobre el cuerpo como instrumento principal para pensar nuevas formas de comunicar.
La Asociación Primario coordina este proyecto que surge como una propuesta de trabajo en red y como una plataforma de apoyo a la producción y la programación de artistas nacionales.
En esta programación se realizan siete espectáculos de Danza en la plaza de Juan Goytisolo (Plaza de Reina Sofía) con diversos trabajos coreográficos de jóvenes creadores, de compañías emergentes, de compañías con larga trayectoria y de premios nacionales de Danza,
«Rojo» Victoria P. Miranda. Un solo de 18 minutos.
La palabra rojo deriva del latín rŭssum o rŭsseŭs. A nivel mundial, el rojo representa un «estado peligroso“. Cuando pensamos en el color rojo lo relacionamos con el fuego o la sangre. Siempre ha representado la fortaleza y la valentía, además de la violencia y la agresividad. Esto le hace también ser uno de los colores que significa prohibición, y es habitual verlo en símbolos de advertencia, ya que llama mucho la atención. Los significados del rojo están casi todos ligados a las emociones fuertes. Simboliza la pasión y la lucha por conseguir las cosas, podríamos decir que cuando pensamos en este color lo hacemos siempre desde el lado de las emociones, ya que es una tonalidad totalmente emocional y muy ligada a la parte más pasional y animal del ser humano. También es una manifestación sobre la sociedad y el mundo en que vivimos… Querer alzar la voz, el cuerpo, la danza….y que puedan escucharnos!!!!
“Ánimo animal” Barbirusa Danza. Un dúo de 15 minutos.
«Ánimo animal» plantea los pliegues que puede haber entre los pensamientos o las acciones de las personas. Dejamos abierta a la interpretación del espectador el significado de estas sugerencias“. Seres orgánicos que viven, sienten y se mueven por su propio impulso. La supervivencia, el encuentro, la capa esencial a través del instinto, la tierra, los límites, lo irracional, el impulso, el deseo o motivo afectivo que nos induce a hacer algo de manera súbita sin reflexionar. Acción/Reacción. Ánimo animal” es una pieza para espacios no convencionales. Nace de la coreografía “Comunicación Breakdown” premiada en el II Concurso Capturadanza Teatro de Madrid y en el XXIV Certamen Coreográfico de Madrid . Primer Premio ex aequo II Concurso de Acciones Artísticas Urbanas AD Festival Molina de Segura 2014.
“Al borde ” Maximiliano Sanford. Un solo de 8 minutos.
«Al Borde» es una pieza de danza que no tiene la pretensión de ser narrativa; simplemente nos llevará a experimentar diferentes sensaciones e imágenes representadas por el cuerpo del intérprete. “Al Borde” es la metáfora de la frontera que limita la piel. Desde ahí el cuerpo experimenta el vértigo de estar suspenso ante lo desconocido. El Borde es el punto límite que nos lleva a viajar a la parte más primaria e intrínseca del cuerpo. ¿Donde se encuentra la línea donde se desbordan las emociones?
“Plangere” Carla Diego. Un trío 15 minutos.
Desde la antigüedad, las plañideras, o lloronas, han acompañado a los difuntos al marcharse y a sus familiares al despedirse de ellos. Es un trabajo reservado únicamente para las mujeres, a menudo heredado de madres a hijas. Una tradición milenaria que refleja el culto universal a la muerte; una fingida manifestación ruidosa y física del duelo y la pena que aún hoy se mantiene viva en diversas partes del mundo. «P l a n g ĕ r e» es una creación de Carla Diego como coreógrafa y directora después de haber trabajado junto a Paula Montoya en su proyecto conjunto Nexos. Con esta coreografía consiguieron el premio Nunart en el Certamen Coreográfico de Sabadell y el premio de Residencia Artística Nave73 en el Festival SOS Emergencia Coreográfica. Este proyecto nace de un interés en la investigación del cuerpo y del movimiento así como de su expresión conjunta. Desarrollado principalmente a partir del estudio de diferentes imágenes y de una investigación teórica, busca hacer a través de la danza y su manifestación física un discurso dramático y poético del ritual del duelo centrándose en la figura de las plañideras.
“We earth” Camille Hanson. Un cuarteto 20 minutos.
Es un trabajo coreográfico creado para el movimiento ambientalista del Dakota Access Pipeline en Standing Rock, S.D., U.S.A., que lucha contra la explotación del ecosistema de las tierras indígenas de la nación de los Indios Sioux. Originalmente producida en CDMX, México para la Cía. de danza DMG Fundación. «Dancing for the Millennium Goals» es una fundación que nace con la intención de contribuir a lograr el desarrollo sostenible de las personas y los pueblos a través del arte y la cultura.
“Sonora ” La intrusa danza. Un dúo 14 minutos.
Es el viento que transita por el desierto Sonora. Suele provocar turbulencias e incrementos de temperatura. Traslada partículas de polvo y arena procedentes de las zonas desérticas de las que proviene. «¡Viento débil, viento severo, violento y devastador! Maldito viento que me lanza lejos ¿A quién le puede interesar salir volando? Me agarro fuerte al cemento, a tu abrigo o a mi voluntad. Lo que sea para no dejarse llevar por la incertidumbre del devenir.» No dejarse llevar por lo que domina, aquello que nos disgrega. Sonora plantea la voluntad de resistir.
“Kintsugi” Iron skulls Co. Un quinteto 13 minutos.
«Kintsugi» es una técnica japonesa de reparación con oro de objetos que se remonta al siglo XV y una filosofía que plantea que las fisuras y las reparaciones forman parte de la historia de un objeto y no hay que esconderlas. Deben embellecer el objeto, dejando al descubierto la búsqueda de la relación entre técnica, belleza e imperfección a través de la danza. Los miembros de la compañía provienen, asimismo, de diversos entornos, entre los que destacan el Breakdance, el Hip-Hop, la danza contemporánea y la acrobacia, incluyendo influencias de varias disciplinas como las artes marciales, la producción musical, el diseño y la moda. Esta mezcla de influencias provee al grupo un estilo distintivo, siendo su pasión por la fusión de elementos externos a la danza la guía hacia nuevos paradigmas donde se generan producciones cada vez más ambiciosas
Entre 250 kg de paja y 125 kg de masa humana, dos personas divagan a través del movimiento, los equilibrios, el humor y la composición del espacio, sobre las peculiaridades de las relaciones humanas.
Un «Envà», en castellano tabique, es una pared delgada que se construye para separar espacios. Las personas a menudo construimos paredes mentales que nos protegen de un supuesto peligro emocional respecto a los otros, nos pasamos la vida buscando la manera de liberarnos y lo único que hace falta es derribar el “Envà” que nos impide sentir plenamente y comunicarnos sin barreras. Simbólicamente reflejamos la estupidez de la naturaleza humana y todas aquellas acciones que hacemos en vano para encontrarnos con el otro. Todo ello a partir del movimiento y la técnica de mano a mano trabajada desde la integración de las figuras en el contexto, uniendo la acrobacia con la historia, el humor e intensidad, la emoción, la innovación y la belleza.
Después de 5 años de entrenamientos y la creación de tres piezas cortas de circo, Amer y África presentan el resultado de su nueva y más grande aventura, la creación de un espectáculo de 40-50 minutos de calle en el que se refleja todo lo aprendido y por aprender de su relación e inquietudes artísticas.
Rebecca Rose Harris y Franklin Mockett forman Samana, originarios de Gales, han firmado uno de los trabajos más misteriosos y mágicos de 2019.
Samana, en sanscrito, viene a ser aquella persona que abandona todas las obligaciones sociales convencionales para buscar un camino vital que le acerque a la naturaleza, y con esa guía, el dúo británico se ha refugiado en su estudio en las montañas de Gales para entregar su primer disco Ascension. Una obra conceptual que nace de la interpretación de los sueños, del estudio de antiguos rituales y del descubrimiento de la propia experiencia interior.
La música de Samana nos enfrenta a una experiencia sensorial estremecedora donde la voz de Rebecca, grave, solemne, tremenda, nos sirve de asidero para recorrer ese camino que proponen desde lo reconocible y cotidiano hasta lugares desconocidos y extraños. Porque Samana es folk, suena a música popular, a refugio, pero a la vez te enfrenta a algo por descubrir y por explorar.
El prestigioso sello Fat Cat (Animal Collective, Sigur Ros) ha apostado por ellos para el 2019 y en las primeras referencias en prensa se les asocia a nombres como Mazzy Star o Nick Cave, propuestas de alto calado emocional.
Canciones de siempre de esas que se usan para danzar, echar suertes o girar frenéticamente, en nuestro caso, aderezadas con armonías actuales, pues aunque muchos niños llegan ya a este mundo con un «pan debajo del brazo» tal vez haya que proporcionarles, además, corros, bailes, retahílas y juegos de calle.
Aquí Te Espero, pretende devolver al público algo que le pertenece, el juego colectivo en el espacio público. La mina de las canciones tradicionales es tan inagotable que proporciona herramientas imprescindibles para cantar, jugar, bailar, reír, en definitiva, para descubrir el sabor de la fiesta. En Aquí te espero usamos “Twist de la ovejita”, “Miguel, Miguel, Miguel tres vueltas a la derecha” para danzar. También canciones de otras culturas como “Hockey-Pockey” de EE.UU., o “Sur le Pont d’Avignon” de Francia para gesticular, y bailes y juegos de eso que llamamos nuevo folclore como “Todo el mundo en esta fiesta” o “¡Arriba las vacaciones!” para la diversión más bullanguera.
Los Titiriteros de Binéfar llevan más de cuarenta años recorriendo caminos con nuestros moñacos, haciendo títeres y música por las calles, plazas, teatros y carpas. Su teatro es siempre para todos: para los niños, tratados como personas sensibles e inteligentes, y para los adultos que aún guardan un hueco para la ternura y para el juego festivo del teatro. Han editado ocho discos, cuatro libros y han creado una treintena larga de espectáculos cosechando premios y reconocimientos, aunque, siempre piensan que su mejor actuación será la próxima. En el 2009 les otorgaron el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud.
Un espectáculo de cubos, saltos e idiotas, mezclando virtuosismo, equilibrios y risas.
Cuatro jóvenes artistas que juegan con sus diferencias, sus personalidades y su benevolencia, a través de la acrobacia y con el peligro rondando el patio de butacas.
El colectivo Bigbinôme es un grupo de cuatro jóvenes artistas de circo que se graduaron en el Centre national des arts du cirque (CNAC) en 2016 (27ª promoción), todos especializados en acrobacia y banquinas. Trabajan como dúo y cuarteto desde 2011. Se licencian juntos en la Escuela Nacional de Artes del Circo de Rosny-sous-Bois (Enacr) y en el Centro Nacional de Artes del Circo de Châlons-en-Champagne (CNAC). Los cuatro acróbatas enriquecen las técnicas circenses y los mundos artísticos con sus diferencias culturales y físicas. No dudan en utilizar su complementariedad y complicidad para desarrollar su propio universo artístico.
Las programación de una tarde de talento femenino que, además de hacernos disfrutar a todxs, pueda inspirar y servir de ejemplo a las nuevas generaciones.
Este es un proyecto pensado para la juventud del distrito Arganzuela, así como para toda persona que desee acercarse a bailar durante cuatro horas sin interrupción. El evento comenzará a las 19.30 h con un taller de baile urbano con Sara Cámara , en el que el público asistente aprenderá (o reforzará) una serie de pasos básicos para bailar ritmos urbanos con fluidez. El taller terminará con una gran coreografía que se realizará entre los asistentes al mismo.
A continuación, contaremos con los conciertos de 2 de las artistas revelación de este año: La Favi y Juicy Bae.
Natalia García (La Favi) es una fiel representante de su generación, Californiana con raíces andaluzas, es un caleidoscopio a través del cual siempre nos acerca un lado diferente de la escena de género urbano que ha roto los standares de la industria musical. Se ha dado a conocer internacionalmente como cantante y colaboradora al lado de los artistas más reconocidos de las nuevas tendencias en la música urbana en español en Latinoamérica y España. Mezcla influencias flamencas, le otorga oscuridad al género y profundidad. En sus canciones expresa emociones fuertes, su voz es reconocida como una de las más icónicas de los últimos años en el panorama.
Cristina Aka Juicy Bae nacio el 15 de Marzo de 1998 en Sevilla, España. Creció entre 2 barrios humildes de la periferia de Sevilla y siempre fue una niña vinculada al mundo del espectáculo, más concreto del flamenco. Sus influencias podrían ser Lauryn Hill, Camarón, Asap Rocky, Hurricane G, PartyNext Door y Young Thug. No le gusta definir su música porque para ella es sinónimo de limitación, pero sí podríamos decir que para ella su música son heridas, cicatrices, recuerdos, vivencias, pasado y presente, es su manera de transmitir su punto de vista y sus sensaciones sobre el camino de la vida en sí, y cómo esto afecta y se ve representado en sus letras, sonido e intención de su música.
Por último, una de las estrellas del panorama urbano, Ms Nina , nos hará bailar bien duro hasta el final del evento con un Dj Set que promete prender la pista.
Ms Nina es una joven artista multidisciplinar argentina que actualmente reside en España. Ha sido reconocida internacionalmente como «net artist», exponiendo en Junior High (Los Ángeles), y en galerías como La Térmica o La Fresh Gallery. Ms Nina utiliza su música, collages y dj sets para romper con las normas sociales establecidas y empoderar a los oprimidos. Sus canciones revelan sus raíces latinas con estilos como el reggaeton, la cumbia o el dembow. Sus letras, provocativas y cargada de humor, defienden la libertad absoluta y pretenden romper con cualquier tabú establecido. Gracias a su música y sus esfuerzos y dedicación, Ms Nina no sólo ha actuado en España, sino también en gran parte de Europa. En 2017 hizo tour por México. Actualmente trabaja en su nueva Mixtape y su primer libro.
Un «Cabaret» con la única pretensión de pasarlo…. ¡¡Bien!!.
El Pequeño Gran Cabaret Indeleble, es un espectáculo creado en exclusiva por Indeleble Comunidad Artística, para todos aquellos que no conciben la vida sin teatro y sin circo. El Cabaret Indeleble reúne todos los ingredientes de los clásicos espectáculos de varietés: humor, música, baile, provocación y por supuesto la participación del público. Recordando por momentos al cabaret de los años 30, al circo itinerante, o a los musicales de los 50. Este montaje reflexiona sobre los temas más actuales, siempre desde el juego escénico más fresco y gamberro.
Indeleble Comunidad Artística nace de la unión de algunas de las compañías más activas de la sierra norte de Madrid con el único deseo de desarrollar un enriquecimiento mutuo, dando mayor calidad y variedad de espectáculos, para un público cada vez más numeroso y crítico. Con esta fusión aglutinan diversas artes escénicas para compartir y consolidar su trayectoria creativa.
Un pacto, un código secreto, una cápsula del tiempo, una promesa… Dentro de 20 años en el mismo sitio a la misma hora.
DistanS habla de amistad: los recuerdos que siguen vivos en nuestros corazones a pesar de los años. Habla de la fragilidad del ser humano, de la ruptura, la soledad, y del amor capaz de regenerar y reconstruir nuestras relaciones con los demás. Un viaje a través de las emociones en un espacio visual y sonoro que envuelve las escenas de circo acrobático y teatro gestual que conforman un espectáculo orgánico, sensible y divertido.
Vol’e Temps es una compañía en continuo proceso de investigación y renovación, con una gran inquietud de crecimiento artístico y empresarial, que tiene como objetivo trabajar el circo con un lenguaje vivo y actual. Nace en 2012, de la mano de Sara Ortiz (Narbonne, Francia) y Albert Moncunill (Igualada, España).De 2012 a 2014 la compañía realiza varias residencias de creación hasta que nace su primer espectáculo Mundos de Papel, bajo la dirección de Anthony Mathieu, que se estrena en junio de 2014 en el Festival Circada (Sevilla), y que es ganador de varios premios. En 2016 la compañía aplica su experiencia y bagaje para dar forma a un espectáculo de creación propia, Bert y yo. deciden crear un nuevo espectáculo. En 2017 comienzan la producción de un nuevo espectáculo, contando con un equipo profesional con mucha experiencia en el mundo de la creación circense y teatral andaluza. Con música original de Daniel Maldonado «Sam», y una potente escenografía de Carlos Monzón, nace DistanS en julio de 2018; un espectáculo de teatro-circo con un lenguaje poético y una gran belleza y sensibilidad. En 2019 obtienen con DistanS el Premio Mejor Espectáculo Fetén.