GET NO es un lugar de paso en el que contemplar, un no lugar. Un millón de rincones transitables y encuentros fugaces como en un aeropuerto. Personas que se detienen, historias breves que son observadas en el tiempo que dura un pestañear de ojos o que puede durar eternamente.
Una pieza de danza contemporánea de la compañía La Quebrá donde el tiempo pasa y el vacío no cesa. GET NO es el deseo de seguir, el deseo de entender, el deseo de cambio, una insatisfacción constante.
FICHA ARTÍSTICA
Coreografía: Irene García
Bailarines: Jesús Aragón, Julia Sanz, Paula Serrano, Ariadna Saltó, Marc Fernández y Joana Sureda
Texto y dramaturgia: Irene García y Roberto Frattini
Espacio escénico y vestuario: Sergi Cerdán
Diseño de Vestuario: Sergi Cerdán
La Baltasara habla de las mujeres emprendedoras del Siglo de Oro español, aquellas comediantes que tuvieron que luchar por su vocación, su libertad y su forma de vida. En la investigación sobre estas mujeres aparece Ana Martínez, también conocida como «La Baltasara», actriz reconocida en su tiempo.
Pero, inevitablemente, la obra también habla de las comediantes del siglo XXI, un viaje en el tiempo hacia el presente que expone la problemática en una sociedad que con demasiada frecuencia, sea cual sea su época, ignora, soslaya o invisibiliza a las mujeres.
La obra trae la figura de La Baltasara al presente con la intención de que nos miremos en el espejo… Para remover conciencias, a través de ellas, las cómicas del XVII, las que subían a las tablas de corrales y plazas a sabiendas de que eso las condenaba al ostracismo social… pero a su vez, las empeñaba en la búsqueda de la libertad, de la posesión de su propio destino, de experimentar en las vidas de sus personajes lo que a sus propias vidas no les estaba permitido.
FICHA ARTÍSTICA
Dirección: Chani Martín
Escenografía y vestuario: Fernando Sánchez-Cabezudo
Iluminación: Ion Aníbal
Música: Chani Martín y Nacho Vera
Ayudantía de dirección: Javier Galán
Diseño gráfico: María La Cartelera
Web y redes sociales: Mario Olmos
Producción ejecutiva: Manuel Sánchez y Pepa Zaragoza
Distribución: Elena Martínez
Prensa: María Díaz
Producción: Sanra Produce
Reparto: Pepa Zaragoza y Nacho Vera
Su Realismo es un espectáculo de danza contemporánea que rompe el concepto de belleza a través de un recorrido onírico de imágenes inspiradas en los grandes creadores surrealistas. Una pieza que pone de relieve la importancia de la libertad artística y la liberación mental sobre los cánones estéticos y corporales.
La obra pretende acercar la estética del movimiento surrealista a unas sugerencias plásticas diferentes e incomprensibles y pone en contradicción las normas estéticas, la racionalidad o la objetividad.
Su Realismo es una obra de Psico Ballet, una compañía que nace con la necesidad de mostrar la belleza y la capacidad de las personas con diversidad funcional y que está integrada por un total de 40 bailarines con y sin diversidad.
FICHA ARTÍSTICA
Dirección artística: Gabriela Martín
Coreógrafas: Maite Gámez, Esther Gómez, Pilar Muñoz y Gabriela Martín
Jefe técnico y escenografía: Clemente Jiménez
Coordinación de espectáculos y regiduría: Clarisa García
Regiduría vestuario: Doris del Rocío
ACTIVIDAD COMPLEMENTARIA
Dos horas antes del inicio del espectáculo, puedes acercarte al centro cultural a disfrutar del sistema de realidad virtual THE MACHINE TO BE ANOTHER. Una instalación performativa que 21distritos pone a disposición del público para experimentar el mundo a través de los ojos y el cuerpo de otra persona.
Teorema es un proyecto escénico y de investigación de Javier Martín que indaga en los sonidos y movimientos del interior del cuerpo para rescatar memorias y proponer nuevas sensibilidades.
En esta pieza de danza contemporánea, las resonancias del interior del cuerpo componen el paisaje sonoro para la danza, se despliegan en un espacio partitura en el que los objetos —humo, carbón, cuerda, hielo, cristal— se disponen misteriosamente para alcanzar su propia floración. El cuerpo danzante anima el espacio para la danza. La sinfonía del cuerpo es la sinfonía del espacio y viceversa.
Esta obra del coreógrafo Javier Martín reflexiona sobre las relaciones entre interioridad y exterioridad, entre materia y memoria y anima a cuestionar y romper con las inercias a través de las cuales nos percibimos y nos relacionamos con el entorno. Nada es como parece, y aún así trabajamos con lo que está dispuesto.
FICHA ARTÍSTICA
Concepto, coreografía y dirección: Javier Martín
Movimiento: Javier Martín
Iluminación: Octavio Mas
Música original: Artur M. Puga
Asistencia teórica y dramatúrgica: Roberto Fratini
Producción y acompañamiento: Sabela Mendoza
Vestuario y escenografía: Cremallera Studio, Javier Martín
Vídeo y fotografía: Leo López
Prótesis escultórica: Joaquín Jara
Residencias artísticas: Pazo da Cultura de Narón (Residencias Paraíso – Colectivo RPM), Planta Alta, Madrid (Hablar en Arte)
En la era aceleracionista, los cuerpos están llenos de velocidad residual: una inercia que suspende el deseo, fragmenta y extrae nuestra atención. Entender ahora quiere decir practicar el ritmo, porque no estamos hechos para saber sino para actuar como si supiéramos.
Un umbral refiere el tránsito. El concepto de “atravesar el umbral”, tan característico de ritos y ceremonias de paso, está presente en infinidad de culturas desde tiempos ancestrales, implicando un cuerpo en movimiento en una danza social hecha acontecimiento.
Coreografiada y dirigida por Javier Martín, esta pieza nos invita a la apertura y a la experiencia del tránsito. A arrojar el cuerpo a la danza, con la atención puesta en una vibración templada y observadora para crear movimientos nuevos. Situar la figura en el umbral.
FICHA ARTÍSTICA
Concepto y movimiento: Javier Martín
Iluminación: Octavio Más
Espacio y diseños: Javier Martín
Sonido: Abul Mogard, Philip Jeck y Leyland Kirby.
Producción y acompañamiento teórico: Sabela Mendoza
Técnica visuales: Juanma Lodo
Vestuario: Cremallera Studio, Álvaro M. Leiro, CCG
Vídeo y foto: Leo López
Coproducción: CCG Centro Coreográfico Galego
Residencia de investigación: Teatro Leal, La Laguna
Agradecimientos: Pep Ramis -L’animal a l’esquena, Javier Cuevas, Juanma Artigot, Laura Cedrón
El campeón mundial de boxeo “Maravilla” Martínez protagoniza esta obra que, en contraposición con su historia, habla de un sueño que se acaba, de un boxeador al que se le termina el tiempo de un reloj que golpea en su cabeza, una campana que lo aturde: su pasado y su presente.
Bengala es un boxeador que ve su vida escurrirse al mismo tiempo que se suceden los rounds interminables de una última pelea que lo acerca a la muerte. Una pelea desigual con un novato producto de la necesidad, la desesperación, la decadencia, los abusos, la pobreza, el amor, las drogas y los deseos perdidos.
Basada en la obra de Alfredo Megna y dirigida por Adrián Navarro, Bengala, una vida en doce asaltos, cuenta con la magistral actuación de Sergio “Maravilla” Martínez, quien da vida a siete personajes durante un soliloquio esquizofrénico que lleva al actor hasta el último round.
Incandessence es la exploración del conflicto y de su resolución, de los polos opuestos. Un crisol en el cual las ideas musicales, reflejo de nuestro mundo interior, se encuentran, se expanden y combustionan sin agotarse nunca.
El nuevo proyecto de Constantini da rienda suelta a la imaginación y las emociones en una travesía de iluminación musical que recorre y evoca viejas memorias, apuntando con fascinación hacia el futuro. El artista nos habla desde el alma —el bandoneón— y desde la mente —el piano— desplegando toda su creatividad y virtuosismo para conciliar esa eterna dualidad y abrir las puertas de la verdadera iluminación: la incandescencia.
Junto a Claudio Constantini, actúan la guitarra de Raúl Kiokio, el bajo de Toño Miguel y la batería de Naima Acuña. Plasmando todas sus influencias musicales —la música clásica, el jazz y diversos géneros latinoamericanos— en sólidas y frescas ideas, el artista nos lleva con él hacia lo más esencial de su música.
Movimiento colateral parte de la introspección del movimiento y la rítmica interiorizada del flamenco así como del sentir individual y compartido. Es un proceso de apertura a nuevos códigos dancísticos, poniendo el acento en el flamenco actual en coexistencia con la danza española y el lenguaje de la improvisación.
El movimiento del cuerpo en el espacio, una determinada acción o su interacción con otros cuerpos, trasciende en una consecuencia indirecta sobre los otros ejecutantes. Acción y reacción colateral.
FICHA ARTÍSTICA
Bailarines: Jose Manuel Álvarez, Miranda Alfonso, Carmen Muñoz, Marina Paje
Dirección: Jose Manuel Álvarez
Concepto:Jose Manuel Álvarez y Marta Piñol
Coreógrafos invitados: Marco Flores, David Coria, Ana Morales
Música original: Max Villavecchia
Diseño de iluminación: Daniel Gener
Vestuario: Marta Piñol (diseño), Cristina Granero (confección)
Fotografía: Laura Abad, Kazumasa Horiuchi
Vídeo: Marta Romero
Nacido en Buenos Aires, Fernando Egozcue lleva toda una vida dedicándose a la música. A lo largo de su trayectoria, el célebre guitarrista ha compuesto para grandes orquestas como la Orquesta de Cámara Andrés Segovia y ha creado bandas sonoras para películas y piezas teatrales.
Con doce discos publicados, el artista ha logrado combinar su formación clásica con la influencia del jazz y las músicas contemporáneas, convirtiéndose en el autor de un género musical propio y único que le ha consolidado como un reputado compositor e intérprete.
Ahora, el Fernando Egozcue llega a 21distritos junto al contrabajo de Toño Miguel y la percusión de Martín Bruhn para ofrecernos un concierto en el que, como dijo Fernando Neira en El País “va a ser difícil resistirse al embrujo de una música compleja y virtuosa”.