¿Te gustaría aprender a fabricar tu propio instrumento?
El taller de construcción de instrumentos musicales con materiales reciclados, del colectivo Vibra-Tó, es una actividad en la que aprenderemos y comprenderemos las cualidades del sonido, técnicas de construcción de instrumentos musicales y modos de empleo de los materiales y técnicas de obtención del sonido entre otros contenidos.
Durante el taller construiremos los instrumentos más representativos de cada familia; aerófonos, membranófonos, idiófonos, cordófonos incluso electrófonos, aprendiendo sus fundamentos de ejecución y principios acústicos.
Una experiencia musical creativa y participativa para descubrir el inmenso placer de construir, reutilizar, reciclar y hacer música.
¿Cómo participar?
Para participar en este taller el aforo está completo.
Los niños y niñas menores de 7 años deben ir acompañados de una persona adulta.
Esta actividad forma parte de Folklore en Familia, una jornada especial pensada para toda la familia, con actividades para disfrutar juntos y conectar con la música, en el marco del Festival Folklores, organizada por la Fundación Música Creativa.
Biografía
Vibra-Tó es un colectivo de músicos investigadores y multi-instrumentistas, Joaquín Sánchez Gil y Miguel Guinea Díaz, que crean instrumentos musicales a partir de objetos cotidianos y materiales de desecho; investigan acerca de instrumentos de todo el mundo y transmiten su amor por la música, el folclore y sus instrumentos, la ciencia y la ecología a través de talleres, conciertos y divulgación en radio y televisión.
Joaquín y Miguel llevan más de 20 años creando instrumentos musicales a partir de objetos cotidianos. Recogedores que suenan por bulerías, regaderas jazzeras, latas que son guitarras y sitares, y panderos de globos, trompetas con mangueras y embudos… Estos dos músicos-pedagogos multiinstrumentistas interpretan composiciones propias y músicas del folclore universal con sus cacharros y lo explican de una forma didáctica y divertida.
En un mundo cada vez más digitalizado, hiperconsumista, de cabezas gachas mirando pantallas… ¡qué bien sientan la buena música, la creatividad, son un soplo de aire fresco! Darnos cuenta de que podemos pasarlo tan bien con tan poco.
Vibra-Tó es una hora de mil descubrimientos, de salud auditiva, de creatividad, de compartir, de entender, comprender y amar la música.
¡Y todo suena! ¡Ya verás cómo suena!
Te animamos a disfrutar de este concierto didáctico dirigido a toda la familia en el patio del Centro Cultural Galileo (Chamberí).
Esta actividad forma parte de Folklore en Familia, una jornada especial pensada para toda la familia, con actividades para disfrutar juntos y conectar con la música, en el marco del Festival Folklores, organizada por la Fundación Música Creativa.
Biografía
Vibra-Tó es un colectivo de músicos investigadores y multi-instrumentistas, Joaquín Sánchez Gil y Miguel Guinea Díaz, que crean instrumentos musicales a partir de objetos cotidianos y materiales de desecho; investigan acerca de instrumentos de todo el mundo y transmiten su amor por la música, el folclore y sus instrumentos, la ciencia y la ecología a través de talleres, conciertos y divulgación en radio y televisión.
Misión Roosevelt es una experiencia. Una oportunidad para reflexionar sobre las dificultades y barreras arquitectónicas de la ciudad a través de dinámicas y actividades diseñadas para una vivencia inmersiva. Para ello, te invitamos a participar en un recorrido en silla de ruedas por el entorno del Centro Cultural.
Partamos de la idea de que no eres un simple espectador y, por lo tanto, esto no es un espectáculo. Es un experimento en el que serás el/la protagonista. Misión Roosevelt propone atravesar el espacio urbano, recorrerlo y dejar una huella.
Queremos que experimentes el placer de enfrentarte a algo desconocido. En este caso, la silla de ruedas es tanto un medio como un símbolo: representa aquello que no nos concierne hasta que, de repente, nos pertenece. Es la metáfora de la desventaja convertida en conquista, en una experiencia urbana y una performance colectiva.
¿Cómo participar?
Para participar en esta actividad es necesario inscribirse, ya que el aforo es limitado.
Recomendado para personas a partir de 10 años.
Si tienes alguna necesidad, escríbenos un correo a info@21distritos.es para tenerlo en cuenta, por favor.
Biografía
Tony Clifton Circus nació en 2001 cuando Anthony Jerome Clifton, artista ítaloamericano de estética inclasificable, conoció a Nicola Danesi De Luca e Iacopo Fulgi. Su trabajo busca llevar a escena la rareza y la anomalía, mezclando locura y humor en espectáculos que desafían la comodidad del público. No pretenden ser amables ni complacientes, sino generar una experiencia que oscila entre la risa y la incomodidad. Sus creaciones nacen del impulso de jugar sin reglas, como niños que no preguntan por significados, sino que simplemente hacen lo que les da la gana, con mucho amor… y con algo de odio.
Cyclamen es un viaje escénico por un ambiente onírico, que nos habla de situaciones límite y maneras de sublimar el dolor. Nos envuelve en el desequilibrio y tensión pero también en la búsqueda constante de un lugar cálido y amable donde descansar y vivir en la diversidad.
Una propuesta que fusiona la danza y la poesía, usando estas herramientas para desafiar el estigma social sobre los cuerpos fuera de la norma. Explora los sueños y la relación del inconsciente con la belleza y el miedo a lo desconocido generando una reflexión sobre las historias que nos atraviesan.
Tras la función se llevará a cabo una charla-debate con la compañía, con el objetivo de poner en común la visión artística de la pieza, análisis de la obra y responder curiosidades del proceso creativo, entre otras cuestiones.
Si tienes alguna necesidad, escríbenos un correo a info@21distritos.es para tenerlo en cuenta, por favor.
Biografía
La compañía Yurdance se crea el año 2014, en Barcelona, por Míriam Aguilera y Rita Noutel. Desde los inicios se cuestionan el porqué de la normatividad de los cuerpos que bailan y crean arte. Desde su propia experiencia, reivindican un lugar real en el ámbito profesional de las artes escénicas por parte de dos mujeres con discapacidad. Intentando así contribuir en un futuro a una sociedad más rica en la estética del arte.
Teniendo en cuenta que el arte es una representación del momento histórico que vivimos, Yurdance se apropia del derecho universal del arte accesible a todas las corporalidades, para reescribir la historia saliendo de los parámetros normativos y discriminatorios. Bajo estas premisas, ha creado un lenguaje propio/híbrido, basado en sus vivencias personales, sociales y artísticas.
“¡Control parental: letras explícitas!”.
El Langui ofrece en concierto su último trabajo, Espasticidad, en el que su habitual filosofía de superación se expresa con más realismo y crudeza que nunca.
Tras debutar en solitario en 2016 con Hola!, Langui titula este álbum con el nombre de esa dura sintomatología que lleva acompañándole toda una vida. Un disco en el que han colaborado su hijo Hugo Montilla, Kase O, Achukei, Brisa Fenoy, Diego ‘El Cigala’, La Excepción y ‘Zatu’ de SFDK.
Te esperamos en el Auditorio del Centro Cultural Antonio Machado (San Blas) para vivir su música.
¡Disfruta de su directo!
Si tienes alguna necesidad, escríbenos un correo a info@21distritos.es para tenerlo en cuenta, por favor.
Biografía
Sacrificio, constancia y empeño; tres palabras que definen a la perfección a Juan Manuel Montilla, popularmente conocido como El Langui, un mote que lleva con orgullo y mucho cariño desde que era un adolescente. Juan Manuel ha ido cosechando éxitos y mucho tiene que ver cómo afronta su discapacidad: con sinceridad, optimismo y mucho humor, ingredientes que le han permitido forjarse un carácter de hierro y lograr muchos de sus sueños, incluso algunos que ni imaginó.
Cultura a fuego lento es un nuevo ciclo dentro de nuestra disciplina de participación, en el que tratamos de descontextualizar la cultura, llevándola a otros espacios menos comunes. En este caso, en torno a la cocina.
En este primer encuentro contaremos con Fernanda Orazi, reconocida actriz, directora y docente, con quien tendremos la oportunidad de compartir una conversación sobre la actuación.
Fernanda hablará sobre los procesos de cocinado, tratamiento y transformación de los alimentos, haciendo un símil con los procesos de creación teatral. Sobre ello nos cuenta:
“Cuando era adolescente descubrí la cocina. Solía tener insomnio muy seguido y por alguna razón ya había empezado a cocinar a veces. Creo que fue el día en que le pedí a mi abuela que me enseñara a hacer esos callos que me volvían loca, en Argentina se le llama ‘mondongo’. Comencé a alucinar observando cómo las materias cambiaban de estado, de colores, se fundían entre ellas para crear otras. Seguían existiendo de otro modo, ya no percibidas por sus formas sino en algún tramo del sabor, el olor, el color… Una se veía forzada a pensar, otra vez, todo, porque la evidencia de lo que podía seguir siendo lo mismo siendo otra cosa hacía estallar cualquier línea de pensamiento aprendida, previa, preconcebida. La idea de transformar los estados de las cosas me quedó tatuada a fuego lento e insomne. Transformación que también, y de modo muy evidente, me alcanzaba a mí en el proceso. Para ese entonces yo ya hacía talleres de actuación, ya estaba inmersa en la cocina del teatro y algo en mí ligaba naturalmente esas dos prácticas, la de cocinar y la de actuar. Ese gesto humano que consiste en ‘actuar’, jugar en la mirada de los otros, haciendo de las palabras, las cosas, los cuerpos, materias dúctiles, permeables, cambiantes, reversibles, volátiles. Haciendo de cada cosa que le echemos a la olla de la escena, objeto de juego. Creando, la actuación, cada vez, un territorio otro en el que todas las cosas de la vida pueden no ser lo que parece que son, aunque sigan siéndolo, lo mismo y otro a la vez. La actuación juega a lo divino, juega a la creación, hacemos el teatro, obramos la obra ante la mirada de los otros, despistamos al tiempo, lo ensanchamos, le cambiamos el molde… Transformamos, a fuego más o menos lento, el estado de las cosas. Por un rato y hasta el próximo bocado”.
¿Cómo participar?
Para formar parte de este encuentro es necesario inscribirse, ya que el aforo es limitado.
Biografía
Fernanda Orazi es actriz, directora y docente argentina. Formada en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Buenos Aires, estudió también con Ciro Zorzoli durante más de cinco años, dentro del marco de la compañía La Fronda. Realiza un permanente trabajo de investigación y experimentación sobre la actuación, tanto en contextos pedagógicos como de laboratorio o procesos creativos.
¿Cómo se representa la ciudad a través de los ojos de los que la viven en primera persona? Del 21 de junio al 5 de julio de 2025 presentamos la exposición de fotografía Madrid desde la calle, expuesta en la sala de exposiciones del Centro Cultural Príncipe de Asturias (Ciudad Lineal).
En ella se podrá descubrir y apreciar el relato visual realizado por las personas participantes en el taller fotográfico Madrid desde la calle, propuesto por Hanna Jarzabek a partir de cinco encuentros en los que han creado un relato visual sobre sí mismas y su historia.
Una puesta en común en la que se muestra la realidad de las experiencias vividas y creando nuevos puentes de comunicación e intercambio con el público, rompiendo estereotipos y narrativas dominantes, y contribuyendo a reconstruir el imaginario colectivo.
Una muestra que busca promover la fotografía como una vía de reflexión, expresión, creación y comunicación con el entorno.
¡Te encantará!
Biografía
Hanna Jarzabek es una fotógrafa documentalista hispano-polaca afincada en Madrid. Tras completar su Máster en Ciencias Políticas en Ginebra y trabajar como analista política para varias agencias de la ONU, decidió dedicarse profesionalmente a la fotografía. Sus proyectos exploran temas de discriminación y desafíos sociales en Europa, con un fuerte enfoque en la identidad de género y la diversidad sexual. Además, ha investigado y documentado la radicalización de la juventud, el auge de los movimientos de extrema derecha en Polonia y la construcción de identidades nacionales en las regiones postsoviéticas. Recientemente, su trabajo se ha centrado en los flujos migratorios a lo largo de las fronteras orientales de la UE, haciendo hincapié en un enfoque visual seguro y respetuoso con las personas en condiciones de vulnerabilidad.
Mucha Muchacha trabajan en colectivo desde sus inicios, siendo una declaración de intenciones frente al mundo. Persiguen la idea de poder hacer las cosas mediante el diálogo, encontrando los deseos que les unen y desarrollando caminos en comunidad que pongan en pie sus intereses más íntimos. Desde esta manera de trabajar y desde esta visión del mundo y la convivencia, proponen talleres. En estos talleres han implantado y desarrollado una metodología que permite sacudir el propio hecho creativo y que nos pone en contacto con personas de diferentes culturas, contextos, clases sociales e ideologías. Se trata de un espacio de encuentro en el que poner en valor el poder que se genera cuando estamos juntas.
¿Qué ocurre cuando todas agitamos los brazos con fuerza? ¿Qué sucede cuando nos miramos y sudamos juntas? Llevan seis años generando un fuego y es en estos contextos donde las artes escénicas aparecen de una forma salvaje y reveladora, cumpliendo su papel natural.
Ahora, sumergidas en la creación de su tercera obra LA ÉPICA, presentan un proyecto de danza comunitaria, social y educativa con en el que reflexionar sobre nuestro lugar en el mundo, sobre cómo queremos habitar cada uno y cada una su espacio.
Con este taller, Mucha Muchacha propone que el grupo reflexione y desee a través de un paisaje propuesto por ellas: ¿no es épico querer ser madre con 35 años con el mundo tambaleándose y sin pisar suelo firme? ¿Acaso no es épico, a día de hoy, enamorarte de alguien loca y apasionadamente sintiéndote libre de hacer y deshacer los argumentos que te han sido dados? ¿No es dedicarte a tu deseo, hoy y siempre, comenzar una batalla en el mundo y prometer mantenerte ahí, cada día, haciéndote fuerte? ¿No es acaso subversivo, mientras los comportamientos de odio aumentan en el mundo, insistir en estar y permanecer juntas? ¿Qué declaración de intenciones desean expresar las personas de aquí? ¿Qué tienen que decir al mundo? ¿Qué tienen que decirse entre ellos y ellas?
Seré épica o no seré propone una convivencia artística, construyéndose como un contexto creativo donde investigar y experimentar el potencial creativo de una comunidad, un espacio-tiempo donde invocar nuevas formas, nuevas maneras de expresión, donde se genere un espacio de confianza que permita la creación colectiva, entendiendo esta como el lugar de empoderamiento individual y comunitario.
Una actividad para generar una comunidad y crear una identidad propia, acercando un lenguaje escénico contemporáneo innovador y vanguardista que conecte con las nuevas realidades culturales y sociales de Madrid.
¿Cómo participar?
Este taller está dirigido a las personas interesadas con más o menos vinculación en la danza a partir de 16 años.
Para participar es necesario inscribirse previamente (AFORO COMPLETO).
La formación se conforma por 12 jornadas, con una duración de dos horas y media por sesión. Las personas apuntadas deben acudir todos los días.
La actividad tendrá lugar en el Aula Multiusos del Centro Intergeneracional Ouka Leele (Arganzuela), salvo el 12 de junio que será en el Aula de Artes (2ª planta) del mismo centro.
La entrada del 2 de junio es válida para todas las sesiones.
Biografía
Ana Botía, Marta Mármol, Belén Martí Lluch y Marina de Remedios son Mucha Muchacha. Como joven compañía de danza española sienten el deseo y la necesidad de trabajar desde la contemporaneidad, estando en relación con el contexto actual de las artes vivas, dialogando e incorporando otras formas de lenguaje que potencien el contacto y la cercanía con el espectador, siempre con un fuerte compromiso con la innovación escénica.
Atardecer con Aracne es una actividad de mediación que mezcla los lenguajes de la instalación y la performance. A través del imaginario del pole dance, el colectivo MIM propone un espacio participativo para experienciar y reflexionar sobre la intimidad.
¿Cómo sería entrar en la habitación de alguien que no conoces y tener toda la libertad para abrir armarios y cajones y acceder a ese mundo privado? El colectivo MIM abre las puertas de su práctica y tira las paredes de su cuarto propio para dejar que el público entre en la instalación y sea partícipe de sus trayectorias personales, vivencias y aprendizajes en su proceso de cuestionamiento del género y la identidad.
Para acceder a este espacio solo hace falta seguir las indicaciones que se darán mediante audios y dejarse llevar por las voces que irán tejiendo una telaraña alrededor del concepto de lo íntimo.
¿Cómo participar?
Para participar es necesario inscribirse previamente (AFORO COMPLETO).
Actividad para mayores de 18 años.
Esta actividad formativa es una iniciativa que realizamos junto a Pedagogías Invisibles.
Biografía
MIM es un colectivo artístico de pole dance, aéreos y acrobacias que desde hace cuatro años explora el movimiento como medio de expresión para la sensualidad, el género disidente y la performance. El colectivo está formado por Irene Martín Nacarino, Marta Jiménez y Mero González. Desde su identidad queer, han desarrollado una práctica que permite a cada persona explorar su expresión de género y sexualidad sin restricciones, fomentando un espacio seguro y de autoconocimiento.