¿Te gustaría crear tu propio fanzine desde cero? 

Súmate a este laboratorio de autoedición donde aprenderás a trabajar con el formato revista como herramienta artística, crítica y expresiva. A través de una primera parte teórica y una segunda parte práctica, descubrirás qué es un fanzine, cómo se construye y por qué la cultura DIY (do it yourself) sigue siendo un gesto creativo en el mundo actual.

El taller de Colombe Garnier propone reflexionar en torno a la pregunta “¿qué significa ser humano?”, utilizando el fanzine como espacio íntimo de expresión. Papel, collage, dibujo, recortes y encuadernación artesanal servirán como inspiración para que cada participante desarrolle su propia publicación.

Un espacio para experimentar, crear comunidad y conectar con el cuerpo a través de lo manual, entendiendo la autoedición como una forma de resistencia y de construcción de identidad en un entorno cada vez más digitalizado.

Actividad recomendada a partir de 15 años.

Esta actividad se integra en la Semana de la Educación Artística como parte de la colaboración de 21 DISTRITOS en un proyecto de ámbito nacional, promovido por la Asociación de Profesores de Dibujo (APD) y las Facultades de Educación de las Universidades Complutense y de Alcalá de Henares.

Biografía

Colombe Garnier Rojas (Santiago de Chile, 1998) es artista, educadora y investigadora. Graduada en Bellas Artes por la UPV (Valencia), con Grado Superior en Grabado y Estampación (Artediez, Madrid) y Máster en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual (UAM, Madrid), su práctica combina dibujo, collage y grabado. Encuentra en la autoedición y el fanzine un formato idóneo para contar historias, desarrollar investigaciones y generar universos compartidos. Ha participado en ferias de autoedición y residencias artísticas en España y en el extranjero, y ha diseñado talleres para acercar la infancia y la juventud al arte contemporáneo. Actualmente trabaja como mediadora cultural.

¿Qué ocurre cuando escribimos desde lo que vemos, escuchamos y sentimos? 

Te invitamos a un taller de escritura junto a Alberto Guirao y Olga Sánchez, que parte de la imagen y la escucha sensorial para explorar nuevas formas de expresión. A través de lecturas y estímulos visuales, la propuesta despierta la percepción como puente entre disciplinas artísticas y como herramienta para conectar con una misma y con los demás.

Durante la sesión, las personas participantes experimentarán el proceso creativo desde dentro: reflexionarán sobre qué significa ser humano, trabajarán la relación entre palabra e imagen y desarrollarán textos propios a partir de lo vivido.  

El taller culminará con la creación de postales que integran escritura y arte gráfico, generando una obra colectiva que quedará expuesta en la biblioteca y un podcast que recogerá las voces y reflexiones surgidas en el encuentro.

Actividad recomendada a partir de 16 años.

Esta actividad se integra en la Semana de la Educación Artística como parte de la colaboración de 21 DISTRITOS en un proyecto de ámbito nacional, promovido por la Asociación de Profesores de Dibujo (APD) y las Facultades de Educación de las Universidades Complutense y de Alcalá de Henares.

Biografía

El taller está coordinado por Olga Sánchez, artista y docente, y Alberto Guirao, escritor y profesor de Lengua y Literatura.

Alberto Guirao (Madrid, 1989) es autor de la novela Llegarás a Danmara (Berenice, 2024) y de los poemarios Ulises X (Hiperión, 2020), Los días mejor pensados (2016) y Ascensores (2010). Su obra ha sido reconocida con el Premio Valencia Nova de Poesía, el Premio Nacional Félix Grande y el Premio Biblioteca Fundación Antonio Gala. Compagina su labor literaria con la docencia en educación pública.

Olga Sánchez (Madrid, 1973), licenciada en Bellas Artes, combina la enseñanza de Dibujo en Secundaria con su práctica artística en grabado, dibujo y fotografía. Participa activamente en espacios que integran arte y educación como la Asociación de Profesores de Dibujo de Madrid (APD), la Comunidad Musaraña del Museo Thyssen-Bornemisza y la Red Planea. Su trabajo se caracteriza por una mirada crítica, inclusiva y transformadora de la educación artística, promoviendo experiencias creativas significativas y comunitarias.

Unas zapas, una boina, un tacón y arena.

Atrévete a formar parte de una actividad interactiva donde vivirás el proceso de un/a bailarín/a desde dentro. A través de cuatro estilos de danza urbana, trabajarás la escucha corporal, la conexión con la música y la energía grupal, sin necesidad de experiencia previa.

El nombre Sense (sentido) funciona como eje conceptual del proyecto: el sentido de la vida, los cinco sentidos, aquello que sentimos, la dualidad entre lo que se recibe y lo que se da, el sentido de cada movimiento y de la danza en sí. SENSË nace del vínculo entre amigas formadas en la cultura Hip Hop que deciden salir de su zona de confort para investigar el sentido del movimiento. Porque en la danza urbana lo importante no es saber, sino atreverse.

¿Puedes sentirte como un bailarín o bailarina sin serlo?

Esta actividad es una iniciativa que realizamos junto a P.O.M Condeduque, un proyecto desarrollado por Pedagogías Invisibles.

Actividad recomendada para mayores de 16 años.

Biografía

SENSË nace como colectivo artístico tras años de creación compartida entre sus integrantes. Formadas dentro de la cultura Hip Hop, han integrado influencias del contemporáneo y de estilos como Dancehall, Popping, House, Afro y Waacking, construyendo un lenguaje propio que parte del respeto y el conocimiento de la historia de cada cultura de danza.

Su recorrido incluye participación en grupos de competición y creación coreográfica, pero el proyecto actual surge de la necesidad de profundizar en una búsqueda más personal y colectiva. Para ellas, la base del grupo no es solo el movimiento, sino el vínculo: la amistad, la escucha y la construcción de comunidad.

Súmate a vivir una auténtica Roller Disco: una experiencia participativa que pone en el centro la cultura del patinaje, nacida en Estados Unidos en los años 70 y 80 al ritmo del funk y la música disco.

La propuesta combina una masterclass abierta a todos los niveles, donde aprenderás los pasos básicos del roller dance, la creación colectiva de una coreografía y la interpretación en directo del tema original Make Me Roll, compuesto especialmente para el proyecto.

Tras la clase, la pista se transformará en una auténtica Roller Disco con DJ en directo pinchando los grandes éxitos de los 80, invitando al público a patinar y bailar.

Actividad recomendada a partir de 12 años. Es imprescindible acudir con patines propios (tradicionales con o sin taco, o en línea).
Para menores de 12 años, será obligatorio la presencia de un adulto y el uso de protecciones.
El casco es obligatorio para principiantes.

Biografía

Laura Rollerdancer es una artista multidisciplinar y profesora de roller dance en Madrid desde 2013. Es creadora del proyecto Make Me Roll, iniciativa orientada a la promoción, expansión y consolidación de la cultura del patinaje en Madrid.

Destaca su labor como organizadora de actividades de patinaje y del primer evento de fin de semana de Roller Dance en Madrid con DJ internacional, celebrado en la sala Villanos y en Rolling de Chamartín (2025). Ha trabajado como bailarina, coreógrafa y profesora en festivales como Skatelove BCN, Madrid Urban Fest y África Fusión, además de participar en videoclips como “El paso del tiempo” de Rozalén y “Time” de Airlocksound.

«crua [cruda] – feminino
Lo que todavía no ha sido cocinado,
más cerca del sabor original.
Sin muchos condimentos ni alteraciones»

Celebramos una nueva edición del ciclo de Encuentros con altura, en el que realizamos unos eventos junto a personalidades de la cultura, con el fin de generar contextos amplios en torno a la misma, en un espacio muy especial: el Faro de Moncloa.

En esta ocasión, nos acompaña CRUA, el colectivo femenino portugués. Te invitamos a descubrir su arte en directo en una experiencia de polifonía y percusión portuguesa que transforma el repertorio tradicional ibérico en un encuentro íntimo y vibrante, donde la voz femenina se entrelaza con la memoria y el presente.

Una exploración rítmica y vocal basada en elementos como el adufe y otras percusiones tradicionales, creando un ensamble sonoro entre mujeres que cantan desde la raíz hacia lo contemporáneo. Una conversación entre amigas, profunda y sincera como debe ser el amor.

¡Disfrútala desde las alturas de Madrid!

Ficha artística

Elenco: Beatriz Lerer Castelo, Dulce Moreira, Inês Cruz, Liliana Abreu, Rita Só 
Sonido: Miguel Simões 
Iluminación: João Serôdio 

Biografía

CRUA es un colectivo femenino portugués dedicado a la reinterpretación y expansión del repertorio tradicional ibérico a través de la polifonía vocal y la percusión. Su trabajo parte de una investigación profunda en torno al adufe, instrumento central de su identidad sonora, que dialoga con otras percusiones tradicionales para crear un lenguaje contemporáneo arraigado en la memoria. Integrado por Beatriz Lerer Castelo, Dulce Moreira, Inês Cruz, Liliana Abreu y Rita Só, el grupo desarrolla una propuesta artística que cruza lo rural y lo urbano, desde una mirada femenina consciente y situada.  

CRUA es “cruda” y alude a aquello que aún no ha sido cocinado: más cercano al sabor original, sin exceso de condimentos ni alteraciones. Una metáfora que define su aproximación artística: directa, honesta y esencial.

Tras un proceso de trabajo escénico colectivo, las personas participantes del proyecto ‘Selfi’ presentan un encuentro abierto al público que recoge el recorrido vivido durante las sesiones de creación. En escena, cuerpo y palabra se entrelazan para explorar qué significa ser adolescente hoy, donde se abordan cuestiones como la identidad, la representación, la presión social y la forma en que habitamos el presente en un mundo atravesado por las pantallas, la imagen y la exposición constante.

Te invitamos a acompañarnos en este territorio complejo y cambiante desde la escucha, la cercanía y la experiencia teatral compartida.

Biografía

Juan Ayala (Madrid, 1978) y Miguel Oyarzun (Madrid, 1983) colaboran desde 2010 haciendo teatro, performance y eventos públicos con y sobre la gente que participa en ellos. Sus proyectos, tanto con profesionales como comunitarios, han sido presentados en el Teatro Español, El Museo Reina Sofía, La Casa Encendida, el Teatro de la Abadía y Matadero, en Madrid, así como en el Festival de Teatro de Almagro, el Teatro Central de Sevilla o el Festival de Olite, entre otros. Su trabajo también se ha presentado internacionalmente en Inglaterra, Francia, Grecia, EEUU o en Portugal. Ambos combinan su carrera en dirección, dramaturgia e interpretación con trabajos en dirección artística, producción, docencia, comisariado y diseño de espacios escénicos.

¿Qué significa tener doce años hoy? ¿Cómo se vive la llegada al instituto? ¿Cómo se construye la identidad en una sociedad marcada por la imagen, las pantallas y la exposición constante?

Si tienes entre 11 y 15 años, te invitamos a participar en Selfi, un proyecto de teatro comunitario y participativo que propone una reflexión colectiva sobre la adolescencia y la sociedad del espectáculo. A partir de experiencias reales de jóvenes que acaban de comenzar la educación secundaria, la pieza construye un retrato común que transita entre la realidad y la ficción.

Inspirado en La sociedad del espectáculo de Guy Debord, el proyecto utiliza el teatro como herramienta para observar, escuchar y repensar el lugar que ocupan las personas jóvenes hoy. A través del cuerpo, la palabra y el trabajo escénico, Selfi invita a explorar la propia identidad y compartirla con el grupo.

El proceso culminará en una muestra abierta al público el 17 de abril, donde las personas participantes presentarán el resultado de este viaje colectivo.

Una experiencia para expresarte, escucharte y compartir. ¡Únete a Selfi!

¿Cómo participar?

Para formar parte de esta actividad es necesario inscribirse enviando un email a inscripciones@21distritos.es, indicando el nombre completo, la edad, una dirección de correo y teléfono de contacto, por favor.

Las personas inscritas deben tener disponibilidad para participar en todas las sesiones y en la muestra final, que será el 17 de abril.

Actividad para participantes entre 11 y 15 años.

Detalles de las sesiones

El taller tendrá lugar del 7 al 11 de abril y del 13 al 15 de abril en el Centro Cultural Valdebernardo (Vicálvaro), a las 17:00 h, con una duración de 180 minutos cada sesión.

El último ensayo se realizará el 16 de abril, a las 17:00 h, en en Centro Cultural Fuente de San Pedro (Vicálvaro), así como la muestra al público, que se celebrará el 17 de abril, a las 19:00 h.

Biografía

Juan Ayala (Madrid, 1978) y Miguel Oyarzun (Madrid, 1983) colaboran desde 2010 haciendo teatro, performance y eventos públicos con y sobre la gente que participa en ellos. Sus proyectos, tanto con profesionales como comunitarios, han sido presentados en el Teatro Español, El Museo Reina Sofía, La Casa Encendida, el Teatro de la Abadía y Matadero, en Madrid, así como en el Festival de Teatro de Almagro, el Teatro Central de Sevilla o el Festival de Olite, entre otros. Su trabajo también se ha presentado internacionalmente en Inglaterra, Francia, Grecia, EEUU o en Portugal. Ambos combinan su carrera en dirección, dramaturgia e interpretación con trabajos en dirección artística, producción, docencia, comisariado y diseño de espacios escénicos.

Te invitamos a disfrutar en directo de Sinouj en formato quinteto, una propuesta que fusiona jazz contemporáneo, rock y electrónica con músicas y tradiciones afromediterráneas, creando una experiencia sonora única.

Su música traza un viaje entre modernidad y raíz, entre la escucha y el baile, entre la melodía y el trance. Flamenco, funk, ritmos del norte de África, sonoridades árabes y mediterráneas conviven en un lenguaje propio que entiende el jazz como una actitud de libertad creativa.

Con cuatro discos publicados y una sólida trayectoria internacional, Sinouj nos ofrece un directo vibrante y una oportunidad para descubrir una de las propuestas más personales y abiertas del jazz multicultural actual.

Actividad recomendada a partir de 2 años.

Biografía

Sinouj es un proyecto de world jazz creado en Túnez por el saxofonista y compositor Pablo Hernández Ramos. Tras consolidarse en Madrid en 2008 con músicos de distintas procedencias, el grupo ha desarrollado un sonido propio basado en el diálogo entre culturas y la exploración constante. Con varios trabajos discográficos y presencia en festivales internacionales, Sinouj es ya una propuesta destacada del jazz multicultural contemporáneo. En 2025 presentan Hak Dellali, adelanto de su próximo álbum y nueva muestra de su apuesta por un jazz sin fronteras.