Creada en el Centro de Danza Canal de Madrid, con la Coreografía, Guión y Dirección de Pedro Fernández Embrujo, utiliza como lenguaje escénico la danza folclórica chilena y española, complementadas con interpretación teatral, música en vivo y las letras de Violeta Parra,.

‘Lota, las Mujeres del Carbón’, nos cuenta el momento histórico del cierre de la Mina de la ciudad chilena LOTA, con una mirada centrada en la mujer como pilar de esta sociedad minera, que nos invita a la reflexión y a la emoción a través de su temática tan vigente y universal.

Su creador, Pedro Fernández Embrujo, es bailarín y coreógrafo chileno radicado en España, especializado en Flamenco y Danza Española. Fundador de Academia Embrujo, una de las academias de flamenco más importantes de América Latina, tiene su propia compañía artística Embrujo Flamenco con la que se ha presentado en los mejores escenarios de América Latina, China y Europa.

Indagaremos el lenguaje y desarrollaremos el oído musical con ejemplos claros y atendiendo a criterios como el ritmo, la melodía y la armonía como fundamentos imprescindibles para la composición y análisis de canciones desde la canción de autor, la música folklórica y tradicional, hasta el rock, el jazz y el rap, entre otras.

El Centro Cultural Alfredo Kraus, en el madrileño barrio de Fuencarral-El Pardo, recibirá a la formación integrada por Nacho Taboada, Pepe Curioni y Vanja Polacek.

Alegría de vivir y temas universales al alcance de todos nosotros en un encuentro acústico, del que sacaremos vivencias, más que enseñanzas.

Lorca vivió en Nueva York desde junio de 1929 a febrero de 1930. Entonces viajó a Cuba, donde pasó tres meses, y, finalmente, regreso a España con los poemas del libro ‘Poeta en Nueva York’ en la maleta.

La excusa del viaje fue matricularse como estudiante de inglés en la Universidad de Columbia. Los motivos reales eran otros. Lorca se había convertido en un autor muy famoso en España tras la publicación del Romancero gitano, todo un éxito, y se le había atribuido un perfil casi folclórico del que él quería alejarse. Además, acababa de sufrir una ruptura dolorosa con un hombre con el que había vivido un amor intenso. En Nueva York hizo grandes amistades y recibió «la experiencia más útil de toda mi

vida». Conoció a “los negros”. Y conoció, en profundidad, el capitalismo. Fue testigo directo del “Crack del 29”. De su experiencia, nacen los poemas que forman el libro ‘Poeta en Nueva York’. A su vuelta a España, Lorca dio una conferencia-recital en la Residencia de señoritas, en Madrid. Allí presentó su poemario y contó aquel viaje físico y espiritual.

El espectáculo ‘Nueva York en un poeta’ es aquel encuentro de Lorca con el público en la Residencia de señoritas en el que por primera vez se escucharon esos poemas,“carne mía, alegría mía, sentimiento mío”.

Durante una hora, viajaremos con él, de Granada a Nueva York y a La Habana. A través del jazz y el son (interpretado en vivo por La Banda) nos sumergiremos en Wall Street – “llega el oro en ríos de todas las partes de la tierra y, con él, llega la muerte”-, Harlem –“el dolor de los negros de ser negros en un mundo contrario”-, la multitud –“uno de los espectáculos vitales más intensos que se pueden contemplar”-, el campo – “anhelante de las pobres cosas vivas más insignificantes”-, La Habana –“con sus ritmos que yo descubro típicos del gran pueblo andaluz”, la revolución –“del Africa a Nueva

York”-.

«Actividad interpretada en Lengua de Signos Española» (LSE)

* «Icono cedido por Teatro Accesible».

La música es clave en nuestra experiencia vital, afecta a nuestros sentimientos y emociones, nos hace identificarnos con otros y pervive en nuestra memoria durante años. Ella puede traer recuerdos a la consciencia que creímos haber olvidado, puede mejorar nuestro aprendizaje e incluso su poderoso efecto puede transportarnos al pasado con tan sólo unos acordes.

Bajo este enfoque proponemos un taller de dos días de duración durante una semana que pretende devolver las canciones a su justo lugar en la vida de las personas. Cada uno de nosotros tenemos una memoria musical particular. Cada uno conserva canciones de toda una generación, canciones que por alguna razón son imprescindibles para nuestra vida, incluso canciones que odiamos pero no podemos evitar tararear. Las canciones nos unen. Son la clave para una comunicación oral y una memoria compartida.

Con este taller, impartido por Tais Bielsa Rey y Gloria G. Durán, pretendemos, no solo dilucidar qué canciones tienen los usuarios de los centros culturales como patrimonio compartido, sino también cómo podríamos grabarlas y preservarlas. Quizá esta nueva grabación no respete la ortodoxia de los temas originales. Quizá incorporemos elemento nuevos, músicas nuevas. Ritmos diferentes que enlacen pasado y presente.

Jorge Luis Borges decía que la memoria es aquello que recordamos de la última vez que contamos una historia. Nosotros estamos convencidos de que la memoria es la última canción que cantamos, por eso titulamos a este proyecto «El Penúltimo Cuplé», porque siempre nos quedará el último por cantar.

La idea, al ser un prototipo replicable, es lograr en el medio plazo una suerte de memoria sonora de nuestra ciudad. Una memoria que aúne lo de ayer con lo de hoy. Un sustrato antropológico que nos una a todas las generaciones, pero sobre todo que traiga la vida cotidiana de los mayores a un puesto de honor en el devenir contemporáneo. Que lo antiguo pueda volver a ser contemporáneo.

Aforo limitado.

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Músicas del mundo para bailar sin complejos.

Ogún Afrobeat es un proyecto musical creado en la ciudad de Madrid por parte del baterista, percusionista y vocalista nigeriano Akindiimeji Onasanya con un doble objetivo. Por un lado, aportar un referente del género que no se limitara a rememorar el legado inmortal de Fela Kuti, tan necesario y genuino como difícil de igualar. Por otro, la multitudinaria banda en que ha terminado

por convertirse, mantiene una clara vocación de proyectarse en la escena internacional, al incorporar a su propuesta experimentados instrumentistas de múltiples procedencias (Cuba, España, Colombia, Marruecos, Italia, Senegal…) que enriquecen el resultado aportando elementos sonoros y estéticos que inevitablemente alejan a la banda de los cánones del género y amplían su propuesta desde una raíz auténticamente yoruba (fuji, juju music, sakara) hacía otras regiones y músicas del continente africano y fuera de él.

Ogún Afrobeat es una propuesta osada que no se conforma con satisfacer a los devotos de las sonoridades africanas y afroamericanas, sino que persigue un diálogo franco, diáfano y sin fronteras idiomáticas o estilísticas con otros géneros musicales afines como el funk, el jazz, la música gnawa, las sonoridades arábigas y etiopes, el nu soul o la electrónica, ampliando así las perspectivas originales del afrobeat y evitando la realización de un mero ejercicio de estilo. Un planteamiento transgresor para una banda que responde a una globalización distinta, integradora, multicultural y abierta a todas aquellas personas que sientan la música, la disfruten y bailen sin complejos, que al final es de lo que se trata.

Ogun Afrobeat ha publicado hasta el momento dos discos, The Observer (2013) y Koko Iroyin (2016) y un single Fresh me up (2018) y este 2020 publicará su tercer disco. Su música ha sonado en vivo a lo largo de toda la geografía nacional, en los principales festivales de música negra, world music y jazz de España.

Estrella Fugaz es un proyecto musical del dúo Lucas Bolaño y el baterista Ricardo Ramos que se mueve entre el folclore y la electrónica. Lo cotidiano y lo marciano mezclados con humor y nostalgia, pero también las relaciones personales, la paternidad, la España oscura o la ciencia ficción y los dibujos animados conforman los heterogéneos márgenes de este proyecto cuyos temas se construyen a partir de sampleos, sintes, percusiones, guitarra española y capas de voz.

Lucas Bolaño (Toledo, 1981) viene de la escena infraunderground, del DIY, de la experimentación y de la improvisación libre.

Tras participar en el colectivo GRS (Grupo de Resistencia Sonora), dedicado a la programación y difusión de músicas marginales, ha publicado varios discos bajo el seudónimo ELM (Experimental Little Monkey) entre 2007 y 2016 proyecto con el que fue seleccionado por las residencias musicales de RedBull -Madrid 2013, presentando el trabajo resultante en el festival Fringe 2013.

Tercer capítulo de una serie de performances, que han tomado la forma de heterodoxos conciertos de piano, ejecutados por un pianista no profesional que, huyendo de lo espectacular, da la espalda al público, y proyecta sobre la pared un texto escrito en primera persona, con un tratamiento similar al de los subtítulos de una película.

Un tipo que toca el piano obsesionado con Clara Schumann, pianista y compositora nacida hace doscientos años. Una actriz que baila y apenas habla. Una violinista y una chelista que se juntan para montar un trío. Un iluminador que se toma unas vacaciones de la mediocridad con la que se enfrenta a diario

El proyecto AMATEUR reivindica la recuperación de la práctica musical (y en general, artística) por parte de los no profesionales, para quien originalmente fueron compuestas un gran número de obras de nuestra tradición musical, al mismo tiempo que denuncia el secuestro de la mal llamada música clásica (o peor, culta), por parte de los profesionales, hasta el punto de convertir este maravilloso legado común en un producto cultural elitista, en ocasiones inaccesible para sus legítimos destinatarios. Pero también es la excusa para tratar muchos otros temas.

El punto de partida será la vida y la obra de Clara Schumann, destacada pianista del siglo XIX, además de compositora. Su historia permite hablar del papel de la mujer en la historia del arte, adentrarse en el territorio del amor, de la locura y del espinoso asunto de la intimidad. Además, pone el foco sobre dos temas sociales que promueven la emancipación: la práctica artística amateur como camino personal liberador no sujeto a los dictados de la economía y el papel silenciado de la mujer en la Historia del arte. Los músicos románticos del siglo XIX se embarcaron como nunca antes en la búsqueda de lo sublime, del éxtasis, del arrebato, de la trascendencia.

CRÉDITOS

Creación y dirección: Rubén Ramos Nogueira

Intérpretes: Núria Lloansi, Rubén Ramos Nogueira, Ariadna Rodríguez y Gemma Llorens

Música en directo: Clara Schumann, Robert Schumann y Johannes Brahms

Texto: Rubén Ramos Nogueira

Diseño de iluminación y dirección técnica: Antoine Forgeron

Traducción: Núria Rodríguez

Fotografía: Dorothee Elfring

Grafismo: Quim Deu

Producción y distribución: Olga Alvarez

Una producción del Antic Teatre, en coproducción con el Festival TNT y el Konvent de Berga, y la colaboración de de L’Estruch, Casa Orlandai, La Poderosa y nyamnyam. Con el apoyo del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya.

Agradecimientos:

Gema Ramos Nogueira, Elena Nogueira Núñez, Bautista Ramos Portea, Beatriz Nogueira Núñez, Antonio Álvarez Fernández, Amable Álvarez Fernández, Bárbara Mingo Costales, Óscar Cornago, The Dartington Piano Trio, Mònica Pérez Serrano, Stephen Nachmanovitch, Katie Lakner, Matthias Henke, Elizabeth Subercaseaux, Luis Ángel de Benito, Iris La Salvia, Richard Stokes, Claudio Colombo, Daniel Baremboim, Ursula Anders, Friedrich Gulda, Pablo Gisbert, Tomàs Aragay, Fernando Gandasegui, Iñaki Álvarez, Nilo Gallego, Silvia Zayas, Cor Lieder Càmera, Al Ras petit Festival, Jordi Plana, Manoli Mansilla y Teatron.

Tomás Merlo es uno de los grandes exponentes a nivel mundial del Stick, instrumento creado en los años 70 que fusiona la guitarra y el bajo en un mismo instrumento y que técnicamente se asemeja a un piano. Instrumento que no deja indiferente a nadie, en las manos de Tomás Merlo nos hace sentir que tenemos a dos músicos tocando a la vez e interactuando el uno con el otro.

Actualmente nombrado Stickista del año Tomás Merlo nos presenta un power trio con composiciones própias, teclados, Stick y batería que suenan como si fuesen una orquesta, con toda la energía instrumentística y toda su sutileza. Le acompañan el virtuoso Jorge Vera Aguilera a los teclados y Miguel Lamas a la batería. Tomás Merlo es un músico y compositor excepcional de larga trayectoria. Ha acompañado a grandes artistas de la talla de Joan Manuel Serrat en su última gira Mediterráneo Da Capo, a Jerry González, Concha Buika, Federico Lechner, Moisés Sánchez y un largo etc.

El público mayor de Usera podrá disfrutar de una conocidísima zarzuela: ‘Agua, azucarillos y aguardiente’, de Federico Chueca, a cargo de la Asociación Amigos de la Zarzuela, de Madrid. La dirección de la obra corre a cargo de Mª José Fiandor.

Esta zarzuela es una de las más castizas madrileñas, por su música y sus divertidos personajes: las aguadoras, el picaor, el sablista, la mamá, la niña, las niñeras, el señorito golfo, los barquilleros, los guardias… Buena música, gran comicidad y ambiente del Madrid ‘chulapo’.

Una gran número de actores-cantantes, como es normal en toda zarzuela que se precie, componen el reparto de este ‘Agua, azucarillos y aguardiente’ de la Asociación de Amigos de la Zarzuela de Madrid.